Crítica Cinematográfica a El Hombre Tranquilo ( John Ford, 1952 )

Valoración 10/10

Aquel niño enamorado de Innisfree.

Era aún muy pequeño cuando las peripecias del viejo boxeador y la pelirroja pizpireta entraron en mi vida. En este primer contacto además del obvio flechazo inmediato que sentí hacia ella, también se instaló en mi retina el bucólico pueblo irlandés donde se desarrollaba la historia. Supe luego que aquel lugar se llamaba Innisfree y que, aunque parecía una ilustración escapada de las páginas de un cuento de hadas, existía en realidad.

 

Siempre había sido un niño muy soñador. Dedicaba muchas horas al día a soñar. Soñar despierto con cosas que algún día haría y de entre cientos de sueños uno de ellos era viajar a Irlanda y perderme entre praderas, acantilados, castillos y pueblos mezclándome con el universo Fordiano, con los habitantes de Innisfree, con sus costumbres y tradiciones buscando a una pelirroja altiva y escurridiza que seguramente nunca, (se rompería aquí mi sueño), me besaría.

 

En la primavera de mis 22 años, un Ferry llevaba desde Gales a Dublín a aquel niño que aún lo era, con una guitarra en mano y con los sueños intactos, en una madrugada de camaradería y cerveza que finalizó a las seis de la mañana en las costas cercanas a Dublín.

 

No recuerdo cuanto tiempo estuve en Irlanda. Recorrí en autostop la mayor parte del país y pude sentir Innisfree a cada paso, solo quería vivir dentro de la visión de John Ford y aunque no siempre fue así, sí lo es el recuerdo que ahora tengo de todo ello. Hay muchos mundos diferentes pero pocos son tan bellos como el que Ford nos mostró en la mayoría de sus películas y entre ellas, como compendio de sus sentimientos, El Hombre Tranquilo es tal vez la que mejor atesora lo que este grandísimo director nos intentaba trasmitir, probablemente solo la conversión en imágenes de los sueños de un niño.

( Del Libro " EL CINE QUE RESPIRA" , Oviedo 2014 )

Crítica Cinematográfica a Amadeus ( Milos Forman, 1984 )

Valoración 10/10

La maldición de la primera estrella de Rock.

Wolfgang Amadeus Mozart, tres palabras que engloban el concepto de genio. Genio con mayúsculas. Un hombre hecho sólo de música, música que brotaba desde todas las partes de su cuerpo en forma de partituras, pentagramas, claves de fa, fusas, semifusas... todo el amalgama de la creación del arte más bello dando lugar a la inmensidad desde la juguetona sonata a la fastuosa sinfonía, de la canción a la ópera, directo al corazón del pueblo llano unas veces, otras rozando la inalcanzable divinidad. Mozart, el artista total dentro de su campo, tan distante de todos los hombres, pero a la vez tan humano, tan carnal y volátil, débil y frágil, tal vez decadente, en medio del caos de la creación, absorbido por su propia alma, devorado por la envidia de los mediocres, olvidado por sus mentores y amigos, recorriendo todas las etapas vitales del ser humano, para dar finalmente con sus huesos en una fosa comunitaria a los 35 años de edad.

Si mi mente juega con el tiempo y el espacio me pregunto si he sido sin saberlo contemporáneo de algún Mozart. O dicho de otra manera ¿Si Mozart hubiera pertenecido a esta época como se hubiera desarrollado su vida arañando con uno solo de sus dedos la música popular del Siglo XX? Y creo que si eso hubiera sucedido hubiera sido de la mano del Rock and Roll. Mozart transportado a este siglo, mutado en estrella de Rock, comenzando tal vez en un garito para terminar llenando estadios rodeado de gloria, aniquilado poco a poco por los excesos. De Jimi Hendrix a Bon Scott, de Jim Morrison a Kurt Cobain, veo algo de Mozart en todos ellos, existiendo un paralelismo evidente en su final entrecortado, fagocitados por monstruos diversos ajenos a la trascendencia de lo creado.

Sin embargo siendo coherente no encuentro nada similar a Mozart en el último medio siglo de la humanidad más allá del malditismo de su figura y de su precoz muerte. El genio de Mozart se antoja algo inabarcable para todos nuestros coetáneos. Por eso lo siento en mi imaginación como una majestuosa estrella de rock de otro tiempo, que aunque intenta reencarnarse en otras épocas y otros cuerpos permanece intacta, casi se diría que incorrupta, siendo todos los siguientes a él meros sucedáneos de casi nada, caminando hacia la tumba sin haber ni siquiera rozado la gracia que solo pudo haber conocido él, grande entre los grandes.

En esta película, salvando algunas licencias, se escucha su vida.

Y cada nota es maravillosa.

( Del Libro " EL CINE QUE RESPIRA ", Oviedo 2014 )

Crítica Cinematográfica a Náufragos ( Alfred Hitchcock, 1944 )

Valoración 9/10

El vals de Tallulah.

La televisión solía hasta hace unos pocos años emitir regularmente no sólo los clásicos más conocidos de Hitchcock, si no también cualquiera de las películas que englobaban su etapa americana, desde Rebeca a La Trama, incluyendo asimismo su regreso a Gran Bretaña con Frenesí, a través de ciclos que tenían periodicidad semanal extendiéndose en el tiempo durante varios meses. De esta manera me familiaricé con el mago del suspense siendo muy niño y me fascinaban sus historias de crímenes, resultándome muy difícil seleccionar una sola de sus obras como mi preferida. Lo que desconocería hasta unos años más tarde es que Hitchcock tenía una etapa inglesa anterior mucho menos difundida que ya provenía de los tiempos del mudo, y una serie de películas que aún siendo posteriores a 1940 aún no había tenido oportunidad de ver. Una de ellas era Náufragos considerada obra menor y semiolvidada  al igual que otros patitos feos Hitchconianos tales como El Proceso Paradine y Matrimonio Original, a las que solo tuve ocasión de acceder una vez pasados los veinte.

La paradoja de este acercamiento tardío a algunas de las cintas de Hitchcock es que aunque mi base cinéfila era mucho mayor y la defensa de los clásicos una de mis posturas más inamovibles no me conquistaron como lo habían hecho todas aquellas que había visto en la infancia. Náufragos tenía en principio una buena historia, un escenario tan original como atrayente, un guión que podía dar mucho juego y una ambigüedad que tocaba de manera sutil muchísimos aspectos de la naturaleza humana, sin embargo a mi lo que me gustó de verdad fue una actriz que no había visto antes en ninguna parte y que me cautivó por completo: se llamaba Tallulah Bankhead.

Tallulah es a mi entender el pilar que sustenta toda la película y tal vez nunca ha tenido Hitchcock tan buena mano como en Náufragos a la hora de escoger a la chica. Por encima de su belleza de témpano su interpretación es brillante. Tendría que investigar por mi cuenta para descubrir quien era esa mujer y el resultado obtenido fue desde luego bastante interesante y revelador. Mujer torbellino, sin apenas carrera en el cine por decisión propia, aplaudida como inmejorable actriz teatral, bisexual y ninfómana, alcohólica, cocainómana, independiente y salvaje, totalmente revolucionaria para su época, Tallulah exprimió su vida entre la fama y el escándalo sin remordimiento ni retracto posible.

Pudo haber tenido Hollywood a sus pies pero allí había demasiadas normas que no eran de su agrado y límites insoportables para su ferocidad escénica, siendo sin embargo tal vez en el interior de un bote salvavidas donde se sintió más cómoda durante los años que intentó amoldarse al cine, al poder al menos encontrar paralelismos en tan reducido espacio con su querido teatro.

( Del Libro "EL CINE QUE RESPIRA", Oviedo 2014)

Crítica Cinematográfica a Napoleon Dynamite ( Jared Hess, 2004 )

Valoración 7/10

Cuando Napoleón venció en Waterloo.

Asómense a la historia de Napoleón Dynamite, el perdedor desubicado de gafas de búho y despiste perpetuo que vive en su propio microcosmos de soledad y confusión, repudiado por todos sus compañeros de clase, mientras el caos sobrevuela sobre su estrambótica familia de freaks y las chicas no lo quieren ni siquiera para reírse de él. Napoleón, el hombre sombra, con su cabeza llena de ideas extrañas, sin amigos ni besos, atravesando la adolescencia de fracaso en fracaso, sin enterarse de nada.

 

Pero si tenemos en cuenta que en esta historia no existe la lógica y todo se desarrolla digamos al revés, nos toparemos con una de las mejores comedias sobre adolescentes descerebrados de los últimos 30 años, y poco a poco iremos viendo que Napoleón no es en realidad imbécil, si no tan solo diferente. Desde luego su mollera no funciona de manera convencional, y no puede decirse que el desenlace de sus peripecias atienda a demasiados méritos personales, pero no importa cuando nos hemos reído tanto por el camino con una sonrisa liviana entre la perplejidad y la sorpresa.

Merece un aplauso el que en una película de semejante temática no se mencione el sexo, o se haga un chiste sexual ni siquiera una sola vez, Napoleón se enamora, claro que sí, pero esto que aquí se nos presenta más bien parece el enamoramiento de un ángel que cualquier otra cosa, distanciándose completamente desde el primer momento de todas las comedias sobre púberes con picores rodadas hasta la fecha.

 

Y la diferencia vencerá en Napoleón Dynamite mediante resortes que ni siquiera significan un alegato a favor de los perdedores que pueblan los institutos utilizando el absurdo como estandarte, si no que se va más allá y Jared Hess realiza con todos ellos un acto de conmovedora justicia poética, dándoles un nombre y una dignidad que los redime tanto de las situaciones difíciles a las que tienen que enfrentarse en su día a día como del mal enfoque cinematográfico al que siempre se han visto sometidos.

Sí, la realidad es otra, pero si quieren entrar en esta película y disfrutarla olvídense de ella, si no pueden hacerlo siempre pueden acudir a American Pie, aunque podría decirse que la distorsión de las cosas será parecida pero a la inversa. Ante las posibilidades que me ofrece el cine, yo me quedo con las desventuras de Napoleón, al menos, desde dentro de su fantasía fluye algo de lo que hoy en día muy pocas películas pueden ofrecer: honestidad.

( Del Libro " EL CINE QUE RESPIRA ", Oviedo 2014 )

Crítica Cinematográfica a La Sombra Del Poder ( Kevin Macdonald, 2009 )

Valoración 2/10

A mis lobotomizados de 30 años.

El grandísimo Miliki, hombre de mundo, payaso inolvidable, hombre-orquesta del circo y el entretenimiento, cautivó a toda una generación de niños con su fuente inagotable de talento. No sobraba arte en el resto de su familia, encantadores de serpientes todos ellos, pero despuntaba Miliki como aquel bufón tierno y maravilloso que dirigía de una manera exquisita a las audiencias infantiles, con sus trucos de tahúr, sus historias cercanas al absurdo y sobre todo con un puñado de canciones que captaban la esencia de la infancia y la inocencia en su punto exacto. Miliki, ¿Que se puede decir de algo como Susanita tiene un ratón? pues, que eras el rey amigo, y como buen rey aunque nosotros crecimos tu nunca nos abandonaste. Cuando los payasos de la tele habían sido olvidados, cuando te dimos la espalda, cuando renegábamos de ti a la primera de cambio, cuando Susanita y tantas otras habían sido destrozadas en noches de etílico sacrilegio, hubiste de volver para recordarnos no sólo quien eras tú si no quien habíamos sido, alguna vez, todos nosotros, a día de hoy pobres diablos esclavos del tedio y la rutina.

 

Háganse un favor, cómprese todos ustedes treintañeros con un pie en la soledad y otro en el abismo el obligatorio, por medicinal y chamánico, cd, publicado hace muy poquito "A mis niños de 30 años" ¿Se acuerdan de "La gallina Turuleca"? Ahí la tienen y Miliki quiere cantársela de nuevo, mírense de paso la barba y aféitensela al ritmo de "Mi barba tiene tres pelos", de camino al trabajo pongan a todo volumen en su coche aquel himno de la excursión y la bocina que era, es y será "En un auto nuevo". Pueden decirme, estimados adultos, que ya tienen el cd y que les ponen esas canciones a sus hijos. Mentira, esas canciones te las pones para ti y tus hijos seguramente piensen que eres un chiflado y aunque disfrutarán como no podría ser de otra manera, no lo harán ni la mitad que tu, que deseas sin duda arrancarte la corbata y cantar a pleno pulmón a la pata coja encaramado en la mesa de la cocina.

Y si yo quería hablarles de Miliki era en realidad para compararlo con Hollywood. Hace 30 años Hollywood bullía, y seguía elaborando magia. Pero aquello hace mucho que se terminó. Hollywood ha muerto y una vez asumido su deceso pretende idiotizar al máximo a todo su público potencial. Esta película, dirigida supuestamente a la audiencia treintañera es una buena prueba de ello. ¿Que se pretende con algo tan malo? La lobotomización del adulto medio, que ha tirado la toalla en casi todo. Va al cine, en un acto más realizado por inercia y cree además que ha visto algo bueno, porque le han dicho que es bueno, pero si pudiera pensar libremente durante unos segundos se daría cuenta de que ha desperdiciado su tiempo y que aquello no vale para nada. Porque lo que necesita Hollywood ahora mismo, lo único que puede salvarlo es un Miliki que le haga recordar lo que fue, mientras seguimos esperando nos pondremos otra vez sus canciones, el antídoto perfecto para tanta lobotomía.

 

( Del Libro " EL CINE QUE RESPIRA ", Oviedo 2014 )

Crítica Cinematográfica a American Graffiti ( George Lucas, 1973 )

Valoración 8/10

Han Solo nunca conoció al Hombre Lobo.

En una galaxia muy, muy lejana, existió una vez un mundo en donde el Halcón Milenario era un viejo Cadillac y la princesa Leia una compañera de pupitre. Cuando la estrella de la muerte se llamaba Universidad y la banda sonora de la vida movía nuestros pies a ritmo de Rock and Roll. Un tiempo maravilloso, de amistad y juventud, de iniciación y pérdida. Era el mundo que George Lucas nos contó en American Graffiti. Un lienzo de nosotros mismos, en una noche de cambio. Aquella noche que todos tuvimos, antes de que creciéramos un poco más. Como un adiós, que era sólo un principio. Todos estuvimos allí. Y bebíamos nuestro litro de cerveza entre sorbos nostálgicos, con la tristeza de despedir a aquellos amigos que partían al día siguiente, lejos de su chica y de su barrio. Y nos reíamos rememorando aquellos años juntos, de libertad y descubrimiento. Fue la noche en la que nuestro instituto no nos volvió a parecer nunca más un ente represor y extraño. Y cuando pasamos a su lado, lo miramos con ojos de cariño y empatía, como si fuese un antiguo amor que de repente nos hubiera abandonado.

Puede que George Lucas encontrara su camino hablándonos de mundos fantásticos, pero nada de lo que ha creado tiene la magia, el corazón y la inocencia que destilan las imágenes de su American Grafitti, un pedazo de nuestra propia vida que ni las fuerzas imperiales, ni la mediocridad, ni el merchandising nos podrán nunca arrebatar.

( Del Libro " EL CINE QUE RESPIRA ", Oviedo 2014 )

Crítica Cinematográfica a Lylia Forever ( Lukas Moodysson, 2002 )

Valoración 7/10

El cielo no es la solución.

Lylia forever nos cuenta la historia de una adolescente rusa que en una sucesión de acontecimientos se verá abocada contra su voluntad al tortuoso y abominable escenario de la prostitución de menores. El film juega con la confrontación existente entre la inocencia y el oscurantista e interesado mundo adulto, reflejándose la primera en el personaje de Lylia y en su amigo Volodia un niño de menor edad con el que teje una relación de protección y complicidad. En contraposición a ellos las personas que interaccionan a su alrededor se mueven exclusivamente por sexo o dinero, ajenos a sentimientos y valores éticos.

 

Esta dualidad está presente desde el inicio del film y los espectadores somos cómplices de ella porque anteponemos nuestra propia visión a lo que Lylia por inexperiencia y confianza es incapaz de percibir. Los sucesivos desengaños que sufre los intuimos antes de que estos tengan lugar lo que provoca a su vez una identificación con el personaje que se acentúa a medida de que los hechos se tornan cada vez más inadmisibles. Esta misma conexión se consigue con el pequeño Volodia, más aún cuando su labor como consejero de Lylia se nivela en su punto justo de sabiduría, amor y pureza. Rodeados por un entorno cada vez más hostil sus conversaciones, sueños y juegos los aferran a la vida.

La separación entre ambos mediada por un hombre adulto que de nuevo esconde a un lobo bajo su piel conducirá a Volodia a la soledad y la desesperación y a Lylia al enfrentamiento con la más cruel de las realidades y es entonces cuando Moodysson decide tirar por un camino demasiado simplista, a la vez que desubicado e ineficaz para dar cierre a una historia eminentemente terrenal y humana. Se nos abre así la vía mística donde tienen cabida los ángeles y la existencia de un hipotético cielo como liberación del sufrimiento produciéndose así una ruptura demasiado brusca en su desenlace que no termina de encajar ni en el tono en el que está contada la película ni en los terribles hechos que narra.

 

El mayor problema al que se enfrenta Moodysson surge al explorar esta vía de resolución celestial puesto que puede producir una confrontación en las sensaciones que hasta ese momento estaba experimentando el espectador. El rechazo hacia uno de los actos mas deleznables que puede realizar el ser humano estaba siendo conseguido de una forma mas que correcta por los medios utilizados por Moodysson, de la misma manera que nuestra empatía con Lylia y Volodia fluía con naturalidad sin necesidad de recurrir a los recursos de los que hace uso en el desenlace de la historia.

 

Siendo Lylia Forever una película triste que esconde a su vez belleza en su interior lo preferible sería que situaciones como la expuesta se solucionaran y erradicaran en el mundo real. Los ángeles al igual que los demonios están en la tierra y aunque hacen menos ruido son mucho más numerosos. 

( Del Libro " EL CINE QUE RESPIRA " , Oviedo 2014 )

 

Critica Cinematográfica a El Corazón del Ángel ( Alan Parker, 1987 )

Valoración 8/10

Las deudas se reflejan en los espejos.

Después de prestar sus servicios a Coppola y a Cimino Alan Parker le servía en bandeja al gran Mickey Rourke otro papel a su medida. Harry Angel, el detective privado que sobrevive a base de asuntos de alcoba recibe un encargo de un misterioso y adinerado cliente para que encuentre a un tipo con el que tiene un negocio pendiente. Así empieza El Corazón del Ángel y hasta ahí podemos desvelar aspectos de la trama.

Esta película tiene un montón de elementos para ser disfrutada. Para los que nos gusta el cine negro aquí tenemos una excelente muestra del mismo pero lo verdaderamente bueno es que en todo momento lo que vemos en la pantalla nos produce una sensación de inquietud, siempre parece que hay algo más, entre un clima opresivo y fantasmagórico, malsano en ocasiones, y bajo la eterna mirada de un colosal Robert de Niro que nos muestra tanto como nos esconde. Todo desemboca en un estupendo final que si no lo has adivinado con las pistas que se van repartiendo a lo largo del metraje te dejará fascinado, si por el contrario has sido listo la película se puede seguir igualmente porque es puro entretenimiento donde no faltan crímenes, grandes diálogos, interpretaciones de altura y sí también por que no uno de los mejores polvos que nos dio el cine de los 80.

 

La película sirve además para dejar claro que gran actor era Rourke, bordando uno de sus mejores papeles en la que fue su década dorada antes de que empezara su caída libre. Disfrutarlo aquí con sus rasgos físicos no muy alejados de los de Paul Newman, deambulando por Nueva Orleans a la búsqueda de lo que parece ser un espectro, rodeado de muerte, sangre y misticismo, hace que parezca irreal el deterioro anímico y personal que lo ha convertido en otra persona. La resurrección para el cine que ha vivido desde Sin City hasta The Wrestler confirma que ha de ser considerado, aún a pesar de haber probado el abismo, uno de los mejores actores de su tiempo.

Al fin y al cabo la vida de Mickey Rourke tiene muchos paralelismos con esta película.   

( Del Libro " EL CINE QUE RESPIRA " , Oviedo 2014 )

Critica Cinematográfica al Día de la Bestia ( Alex de la Iglesia, 1995 )

Valoración 10/10

Tocar el cielo a costa del infierno. 

De los no demasiado numerosos recuerdos cinéfilos que conservo de los 90, brilla con luz propia el extraordinario segundo film de Alex de la Iglesia, una de las mejores películas de aquella época marcada por la Universidad, la bohemia, la noche y el Rock and Roll. El Día de la Bestia me cogió en el momento justo, en un cine repleto de veinteañeros con unas ganas tremendas de continuar la fiesta en la que llevábamos inmersos desde sólo el diablo sabe cuando y aquello fue el no va más de la carcajada y la diversión. Claro que sí, había ganas de juerga y Alex nos dio exactamente lo que queríamos.

 

Esta película es sin duda un ente maligno programado para que te lloren los ojos durante todo el metraje, cada personaje, cada frase, cada giro de guión, todo es tan descacharrante que no tienes otra opción que entrar en su juego y romper a reír, descubrirte ante Alex y salir del cine con unas ganas tremendas de quemar los bares con los colegas mientras se recuerdan una y otra vez pasajes del film, cosa que nosotros hicimos durante semanas, porque la sombra de la película se extendió por todas partes como estandarte de lo más cool, cuando ser cool aún molaba de verdad y no se había desvirtuado su significado.

 

El Día de la Bestia funcionaba tan bien como comedia que podías repetir la experiencia la semana siguiente y partirte la caja aún más que la primera vez porque aguanta varios visionados en un plazo corto de tiempo. Recuerdo haberla visto unas cuatro veces en el periodo de un año y salir siempre entusiasmado del cine. Desde luego que el trío protagonista con un Santiago Segura absolutamente demoledor a la cabeza no podrá igualar jamás lo que aquí se logró, y de la Iglesia, aunque sigue siendo un gran cineasta, probablemente tampoco, mera cuestión de lógica cuando el futuro de tu propia obra se enfrenta a algo tan difícilmente superable.

 

Como anécdota les contaré que en plena fiebre provocada por el film Alex Angulo fue invitado al Festival de Cine de Gijón y durante su estancia en la ciudad salió de copas con varios amigos míos aunque yo supe de ello después porque no sé donde me encontraba ese día. Lo que me contaron fue que en medio de una cogorza de proporciones descomunales agobiaron a Angulo con todo tipo de preguntas y detalles sobre la película y no hacían más que señalarle y decir en voz alta: Es él!!! Es él!!!   Supongo que esto puede parecerles estúpido pero deben achacárselo al alcohol, a la juventud, y sobre todo a la influencia misma que El Día de la Bestia consiguió causar en aquella generación.

 

 

        “- ¿Ha leído usted a Tritemio?

              - ¿A Tritemio? No, creo que no

 

          - Pues es fundamental “

( Del Libro " EL CINE QUE RESPIRA " , Oviedo 2014 )

Critica Cinematográfica a 300 ( Zack Snyder, 2007 )

Valoración 3/10

300 desde la fila 8 de una sala IMAX.

Después de tantos años de experiencia sigo siendo un cinéfilo tonto. Toda la información previa que me había llegado de esta película indicaba que iba a ser casi con total seguridad una estupidez. Una batalla del año catapún de esas que se estudian en 7º de EGB o en algún curso de la ESO, revisitada por Frank Miller primero y por Hollywood después con esa nueva técnica chipirifláutica donde no existe nada de lo que se ve y que todo sea dicho, había dado previamente en Sin City unos resultados aceptables.

La publicidad carnívora pudo de nuevo más que mi débil instinto y hube de aterrizar en la butaca 10 de la fila 8 de la sala IMAX de Oviedo, experiencia que no repetiré probablemente en el futuro por las razones que expondré a continuación.

Lo que se anuncia como una vivencia alucinógena solamente conlleva una pantalla más grande al menos en el caso de películas en 2D. La sala tiene 16 filas y el sentarme en la mitad me produjo el mismo efecto que si me hubiera sentado en la fila 4 o 5 de un cine normal, es decir, tuve que hacer un enorme esfuerzo para no quedarme bizco. Y me pregunto ¿Para que sirven las 8 primeras filas si tus ojos no pueden abarcar la pantalla? ¿Alguien se ha sentado alguna vez en la fila 1 de cualquier cine? ¿Tenía fila 1 el cine privado de la mansión de Stanley Kubrick? Expresada mi opinión sobre los cines en general y los IMAX en particular hablaré un poco de esta ¿película? a la que muchos críticos puntúan con notas tan elevadas que parece que ha de codearse con La Quimera Del Oro, Sed De Mal, Vértigo y tal vez próximamente con Condemor 3 o Colega ¿Donde Está Mi Playstation?.

Cuando una película no tiene guion lo más probable es que resulte fallida. En el caso de 300 lo que nos cuentan de sus personajes es tan plano, trillado y superficial que no nos interesa ni su vida, ni su muerte, ni su amor, ni su odio, ni sus ideales, por lo que resulta del todo imposible experimentar algún sentimiento con relación a sus vicisitudes.

La película a sabiendas que no tiene absolutamente nada que ofrecer se convierte por momentos en una versión épica de Agárralo Como Puedas, Hot Shots o Scary Movie y así van apareciendo situaciones o caracteres ya vistos en otras películas desde Gladiator hasta El Señor De Los Anillos con Gollum incluido. De entre todas estas parodias cabe señalar una que tocó mi corazoncito. ¿Aquel tipo que estaba encadenado y que una vez soltado se dedica a machacar espartanos no se trataba de Sloth el inolvidable gigante de los Goonies adicto al chocolate? He mirado en IMDb pero no hay información al respecto.

Por otra parte la técnica ya nombrada de nada por aquí nada por allá que tengo un ordenador muy vacilón con el que nos ahorraremos los decorados no sirve de mucho esta vez porque para ver dos piedras, tres bichos y cuatro barcos podemos ponernos en casa El Viaje A La Luna de Melies o la de los argonautas de Harryhausen ya que cuando existe creatividad solo se necesitan unas manos para construir cosas bellas.

¿Que se puede hacer para redondear el desastre y tener mucho éxito? : ¡Cortar cabezas! Algún día deberían analizarse las múltiples incursiones cinematográficas en el difícil arte de cortar cabezas. Desde el trauma infantil de aquella cabeza que volaba por los aires en la primera parte de Viernes 13 hasta las cabezas voladoras de 300 no se ha producido ningún avance destacable.

Probablemente lo mejor de 300 sean los títulos de crédito finales, el resto se cae al vacío.

( Del Libro " EL CINE QUE RESPIRA ", Oviedo 2014 )

Critica Cinematográfica a Inland Empire ( David Lynch, 2006 )

Valoración 10/10

La Dimensión Desconocida. Crónica del Tríptico Definitivo.

Llegaron hace meses desde Venecia las primeras opiniones de Inland Empire. Como me suele ocurrir siempre con Lynch seguí el asunto con sumo interés. Se podría resumir esta primera aproximación con una sola palabra: Divertido. Divertidas reacciones de la crítica, divertidas declaraciones de Lynch y de Laura Dern. Todo muy atrayente. Pero sucedió lo habitual. En Asturias las salas seguirían proyectando películas prescindibles y la nueva de Lynch no iba a ser distribuida. Solo hubo una proyección de la que yo tuviera noticia, en un cine teatro. Era un único día, una sola vez, en VOS. No pude asistir. No sabía cuando podría finalmente verla porque ya dudaba en poderla alquilar también en los videoclubs, así que temí tener que esperar a comprármela. Pero no. En uno de mis videoclubs habituales hay estaba. Inland Empire, a mi alcance.

Una vez en mi casa, se me ocurrió una idea. Me acerqué a mi videoteca y eché mano a Carretera Perdida y Mudholland Drive. Acomodé mi salón (café con hielo, cigarrillos...) y a las siete de la tarde comenzó mi experiencia Lynch. Carretera Perdida echó a andar en mi home cinema y allí en la penumbra mi mente comenzó una relajación total. Recuerdo ahora mientras escribo cuando la vi por primera vez en su estreno en cine. Me había encantado sí, pero estuve semanas intentando descifrar, el sentido, el guion, la lógica. Craso error. No la había visto de manera correcta. Allí no había nada que entender. Solo había que mirar. Y sentir. Experimentar. La búsqueda de lo convencional, era en este caso una cuchilla de afeitar que te rebanaba los ojos. Una trampa, para que no vieras. Por eso, desde mi sofá, pude vivir una experiencia diferente. ¿Acaso alguien busca la lógica cuando ve una puesta de sol? Ese era el fallo. No se trata solo de matar el guion. Matemos el título, la denominación, todos los conceptos. Mudholland Drive ilumina ahora el salón. Pero no es una ni es la otra. No hay separación, ambas han perdido su nombre. ¿Cuanto dura un amanecer? ¿Alguien lo ha medido con su reloj? Simplemente no dura. Y si estamos en una calle y presenciamos un asesinato ¿Cuantos dejaremos de mirar? ¿Cuantos diremos, ha durado 13 minutos? ¿El crimen presenciado tiene en ese momento lógica? ¿Pensamos en ello?

Mi sofá, la penumbra, el humo de mi cigarrillo se mezcla con el que recorre unas letras, parece poner INLAND EMPIRE, pero podría ser ZDJFJHA FHAHD, o podrían no ser letras. Continúa el amanecer, las sensaciones. El ojo que mira. El oído que escucha. Si viajamos en metro y alguien a nuestro lado habla, escuchamos. ¿Por que escuchamos? No nos importa saber el porqué de lo que oímos. Seguramente no lo entenderemos. Pero queremos sentir. Oír. Palabras. Nos bajamos del metro. No pensamos en lo que hemos oído. La ruptura me acaba fascinando. Si mi salón se ilumina con un árbol me parece bello. Si es la nieve también. Si alguien baila disfruto. Si un ser habla por teléfono sonrío.

Solo en un momento me equivoco. Un destornillador atraviesa a Laura Dern. Me detengo. Pienso. ¿Laura Dern ha muerto? El error: quise pensar. Laura Dern no existe, no está viva, no está muerta. Es una imagen, una sensación, como el árbol, como la nieve, como el amanecer.

( Del Libro " EL CINE QUE RESPIRA " , Oviedo 2014 )

Crítica Cinematográfica a Rocknrolla ( Guy Ritchie, 2008 )

Valoración 5/10

Señor Ritchie apresúrese que se la va a pasar el arroz.

No sé yo. Me parece a mí que al Señor Ritchie se le ha acabado el fuelle. Supongo que un matrimonio con Madonna no debe dejar mucho lugar para imaginar nuevos mundos de rateros, asesinos, corruptos, perdedores y mafiosos. Más bien en esa época se dedicaba a hacerle pelis cursis a su mujercita con islas desiertas y mensajes cifrados para tortolitos, por eso, ahora que se ha acabado el amor parece encontrarse el colega Ritchie en tierra de nadie intentando inventarse otra historia molona para recuperar a los fans de sus primeros films, pero algo se ha perdido por el camino. Esto parece muy prefabricado y ya lo hemos visto antes. No es que yo haya sido de todas maneras seguidor suyo pero en sus dos primeras películas había conseguido algunas escenas para el recuerdo y un par de personajes delirantes con el gitano boxeador de Snatch a la cabeza. Pero esta vez no. Además se acerca esquinado al mundo del rock and roll dando una visión totalmente equivocada del mismo. ¿Que clase de supuesta estrella de rock pretende retratar? Ese tío que sale en su película no es un rockero, es un panoli. El guion por otra parte es realmente flojo sin ningún atisbo de originalidad y pegada y se nota manufacturado, un detalle aquí, otro allá, caso esto con aquello..., me invento al final una carambola estúpida... pero no hay fuerza.

Uno se imagina los años que se habrá pasado el Ritchie de la mano de su mujercita entre fiesta y fiesta, rodeado de riqueza y gente banal y probablemente de todo ello provenga este desvarío. El niño malo quiere volver a jugar con pistolas, pero la pólvora está mojada. Habrá gente que haya disfrutado con esta supuesta vuelta a las raíces pero me da a mi que si esto lo rueda un director español la mayoría de la gente se tira a su cuello. Pero claro, Ritchie es un director británico de lo más cool y hay que alabar sus mediocridades. Y amenaza con una secuela del supuesto rockero. Venga, déjalo ya señor Ritchie, creo que debes buscarte otra novia: Britney Spears por ejemplo que además ahora va de chiflada. Que mundo este el de las estrellas. Que sabrás tú de rock and roll si solo eres un niño consentido malcriado. Lo suyo sería una continuación potente de Barridos Por la Marea donde puedas desmelenarte y ser tu mismo: un pijo del montón que pretende disfrazarse de destroyer no logrando ya embaucar a casi nadie.

( Del Libro "EL CINE QUE RESPIRA" , Oviedo 2014 )

Crítica Cinematográfica a El Caballero Oscuro ( Cristopher Nolan, 2008 )

Valoración 3/10

El hombre murciélago era un ángel caído. 

Nolan ha querido engañarnos. Fabricó su película desde la pretenciosidad, el estruendo, el efectismo. Pero todo era humo. Miente su guion y miente su Batman tan aparatoso como vacío. Y miente también su Joker. El Joker post mortem, cuyo cadáver fue vendido a precio de saldo, a los cuatro vientos, como un títere en un escaparate de Halloween. Más allá del hastío mediático sólo queda una mueca que pronuncia palabras inertes. Soliloquios incapaces de provocar sentimientos pues fallecen en si mismos. Y miente el envoltorio. Como un caramelo de cianuro, vistoso por fuera, muerto por dentro. Héroes y villanos habitan en Gotham pero no habita, Gotham, en ellos. Gotham inexistente, Gotham sin personalidad, megaurbe que nada trasmite y nada siente. Ruido. Ruido para que no veamos, para que no descubramos la mentira. Donde una cara es artificio y la otra es la nada. Atropello sucesivo de acontecimientos e imágenes que lejos de provocar velocidad lo ralentizan todo. Cuando cada secuencia, cada frase han sido minuciosamente preparadas, se palpa un guion detrás de la cortina y se esfuma entonces la magia del sueño, desaparece el cine.

Batman no era el hombre murciélago, solo un pobre diablo sin alma. Fijaos, detrás del marketing, de la algarabía, de la necrofilia, está la verdad. Dinero, dinero que Nolan nunca quemará, porque a diferencia de su Joker no quiere que el mundo arda, tan solo quiere llenarse los bolsillos, mientras se ríe (eso sí) con una torcida mueca de todos nosotros.

( Del Libro "EL CINE QUE RESPIRA", Oviedo 2014 )

Crítica Cinematográfica a Crash ( David Cronenberg, 1996 )

Valoración 9/10

La carne accidental.   

Camina nuestra carne por vericuetos de deseo, pasión, amor, egoísmo... y tendrás suerte si la tuya ha decidido seguir los caminos convencionales. Porque a veces la carne en los seres humanos se desvía transitando por terrenos oscuros, pasadizos, atajos que desembocan en el dolor, en la sangre, tal vez en la aberración. Esa carne que en cada individuo busca su identidad, que no es otra que la obtención del placer, bifurcado en tantas direcciones como cuerpos, sencillo sólo cuando se encuentra en línea recta pero tan complicado cuando el sexo no quiere, no puede si no mostrarse desde la diferencia, la exclusión, el tabú y la marginación.

Se mueve mi carne por la vía más transitada, la considerada dentro de los márgenes aunque siempre habrá quien tenga límites aún más pequeños, pero mirando fuera de ellos se me abren mundos extraños que puedo observar desde la barrera con un punto equidistante entre la incredibilidad, el morbo y el asombro. No quiero experimentarlos, sé que no son para mí pero puedo acercarme a ellos como un voyeur, ajeno a la participación pero abierto a conocer aunque solo sea con la superficialidad del que observa los diferentes caminos que mi naturaleza no podría si no rehuir y rechazar.

Y en esta película retorcida y lúgubre de una intensidad casi perversa donde la carne solo se realiza a través de la colisión apocalíptica entre el sexo y la velocidad hasta llegar a un orgasmo bizarro provocado mediante accidentes automovilísticos, miro y asisto perplejo a lo que me parece un esperpéntico espectáculo de barraca de feria, de cuerpos desnudos que se buscan entre hierros y kilómetros, y sin embargo tal vez tan parecidos a mi cuando persigo el placer en el cómodo camino que ha escogido mi carne.

Dura, fácilmente detestable, tal vez incomprensible, tiene de todas maneras la fuerza propia de su director y si consigues entrar en ella puede ser que consiga fascinarte aunque una vez finalizada solo quieras mirarte a ti mismo y olvidarte por un tiempo de los demonios que se esconden más allá de tus propias fronteras allí donde el placer de otros se convierte en un terreno desconocido mientras hace palpitar las entrañas de la carne accidental.

( Del Libro "EL CINE QUE RESPIRA", Oviedo 2014)

Crítica Cinematográfica a La Vida de los Otros ( Florian Henckel-Donnersmarck, 2006 )

Valoración 9/10

Utopías bellas, realidades macabras.   

Bajo un Hollywood agonizante en ideas y contenidos no deja de resultar lógico que la mejor película del año 2006 nos haya llegado de Europa. Alemania nos regala esta joya volviendo la vista al pasado reciente de la República Democrática, abriendo el telón a un mundo tan aislado como gris.

La vida de los otros es una película valiente y necesaria. Incluso ya entrados los años 80, en España, así como en otros países, aún se tenía la idea de que bajo los regímenes socialistas se escondían unos mundos multicolor donde todo era paz, armonía y buen rollo. Bajo esta premisa, personajillos de todo tipo no dejaban de proclamar a los cuatro vientos las maravillas de tales reinos de fantasía anteponiendo sus supuestas virtudes a los defectos de nuestros sistemas democráticos. Curiosamente aunque esta gente era muy persistente y pesada y no dudaban en proclamarse “rojos” en toda ocasión y lugar no acostumbraban a hacer las maletas para cruzar definitivamente el espejo cual Alicia mudándose para siempre al mundo de Oz. Temían sin duda encontrarse algo desagradable pero eso no les impedía seguir con su cantinela hipócrita que quedaba muy bien en entrevistas y promociones y en muchas situaciones de la vida en general. Si es que no hay nada mejor que ser comunista mientras no se viva en China.

Hubieron de caer un montón de ladrillos para que la utopía (o la caradura) dieran paso a realidades menos agradables y mucho más siniestras. En el mundo de Oz no había un sendero de baldosas amarillas si no una ciénaga de despotismo y desigualdad donde la minoría dirigente aplastaba al pueblo llano mientras nadaba en inabarcables riquezas. Lo de siempre vamos, pero peor si cabe. Derechos laborales nulos, explotación, pobreza, censura, falta de todo tipo de libertades básicas... Los telediarios nos producían la carcajada (o nos helaban la sonrisa) con lo que por aquellos días eran titulares muy habituales del tipo “La esposa del Capitán Garfio, Soberano Dictador del País de Nunca Jamás, guardaba en su palacio más de 3000 pares de zapatos. Mientras tanto Peter Pan y Wendy malviven hacinados en una chabola de las afueras sin agua corriente. La única luz se la proporciona Campanilla”.

La Vida de los Otros apuesta por hablarnos más de la realidad que de la utopía. Es cierto que podía haber sido más explícita y certera en su denuncia pero por su fondo latente de crítica al totalitarismo me parece de recomendada visión tanto para aquellos que participan en la vida política bien sea como votantes o de manera más activa como para aquellos que viven totalmente alejados de ella como es mi caso.

Desde el punto de vista formal y narrativo está muy bien realizada y sigue los patrones del cine más clásico donde los personajes se redimen a través del amor y el perdón. Su precioso final cierra de manera perfecta un guión muy elaborado.  

(Del Libro "EL CINE QUE RESPIRA", Oviedo 2014)

Critica Cinematográfica a El Moderno Sherlock Holmes (Buster Keaton, 1924)

Valoración 9/10

La compleja sencillez del arte.

Siempre he creído que el único fallo de los hermanos Lumiere fueron los fotogramas escogidos para mostrar su gran descubrimiento al público: la fría llegada de un tren. Esto demuestra que ante todo los Lumiere no eran artistas si no científicos, y sí, trajeron el invento pero no supieron darle el uso adecuado. Por suerte para nosotros hubo gente con inquietudes que supo ver las posibilidades que aquella nueva técnica podía ofrecer. Uno de ellos se llamaba Buster Keaton.

Y debemos agradecerle a Keaton que no se perdiera en vericuetos políticos, idealistas o pretenciosos como hicieron otros pioneros del cine, escogiendo un camino mucho más cercano al hombre de a pie que acudía a ver aquellas primeras películas mudas. El amor y la risa, eso es Keaton lo cual no quiere decir que su cine no fuera extraordinariamente complejo. Tomando como base dichos elementos universales para combinarlos de una manera inteligente ha conseguido que sus películas permanezcan a día de hoy tan frescas y vitalistas como hace ya casi un Siglo.

Le tengo además un cariño especial a El Moderno Sherlock Holmes por ser la primera película que utiliza el recurso del cine dentro del cine desarrollándose en el interior de la pantalla la mayor parte del metraje, fundiéndose de manera espléndida con el principio y el final que se desarrollan en el mundo real. Entremedias una situación cómica detrás de otra algunas realmente buenas y como siempre una historia de amor que es realmente de lo que Keaton quiere hablarnos aunque se ampare en esta ocasión en una liviana trama de ladrones y detectives.

Me gusta Keaton por su sencillez y porque su forma de ver las cosas es muy similar a la mía. Aquí lo que importa es quedarse con la chica, ese es el arte y esa es la vida, y esa es también la diferencia entre un creador y un científico. Si Keaton hubiera inventado el cine su primera proyección pública no hubiera consistido en mostrar las imágenes de un tren en movimiento, seguramente hubiera escogido la magia de un beso en el que previamente el galán hubiera resbalado sobre la acera. Amor y risa atrapando la misma esencia del arte. Un genio Keaton y también un sabio. Y por encima de ambas cosas un hombre.

(Del Libro "EL CINE QUE RESPIRA", Oviedo 2014)

Crítica Cinematográfica a Como Dios ( Tom Shadyac, 2003 )

Valoración 2/10

Ante la duda … Folla.        

Después de 2000 años el mundo occidental (al igual que todos los demás mundos) sigue dormido en el más profundo de los limbos. Antes la cosa era como un poco más poética, los humanos adoraban al sol, a la naturaleza, a los animales pero un buen día, en un claro paso recesivo se empezó a adorar a dioses monoteístas. Es decir solo había un dios que además era tan majete que la cosa consistía en matar a los que pensaban que dios era otro. Bajo estas religiones monoteístas se construyeron imperios y se distribuyó el poder usando a dios para dominar a la masa que no entendía los caprichos de un mundo absurdo. La cosa se sustentaba en libros de autoayuda que hablaban de amar al prójimo y de ser pobre, sin embargo los que decían tener la facultad de expandir estos valores lo único que hacían era amarse a si mismos y ser cada vez más ricos. La influencia de dios llegó a todos los estamentos y artes y se le levantaron catedrales o se le compusieron operas, cosa sin duda muy extraña porque no parece lógico que el tal dios tenga problemas de vivienda y mucho menos que prestase atención a la música cuando ni siquiera parpadeaba ante una epidemia de peste, un terremoto devastador, o un par de guerras mundiales.

Viendo como ha ido evolucionando el asunto y viendo como sigue el mundo hoy en día solo caben dos opciones:

1.- Dios no existe.

2.- Dios es Jim Carrey.

¿Cuál de las dos opciones es peor?

Ante la duda … Folla.    

( Del Libro "EL CINE QUE RESPIRA", Oviedo 2014)

Crítica Cinematográfica a Bonnie and Clyde (Arthur Penn 1967)

Valoración 9/10             

La soledad de las pistolas.  

No les voy a engañar. Creo que si tuviera suficiente valor una de las cosas que me gustaría hacer sería atracar un par de bancos. No sería por hacerme con un poco de dinero si no esencialmente por ese áurea que rodea a los bandidos, romanticismo de nihilismo y aventura, de vida en los márgenes, huida permanente, corazón taquicárdico, pulso suspendido entre el peligro y la muerte. 

Evidentemente todo sería más fácil si me acompañara una chica como Bonnie, con su seducción letal, belleza etérea y sangre de yegua. Bonnie y yo, hacia ninguna parte, fuera de la ley, siempre en el filo, con la sonrisa del fugitivo en el rostro, besos empapados en pólvora, cuando nunca se mira atrás y la vida es una carretera, un revólver humeando y un colchón apolillado.

Pero Bonnie no me escogió a mí, escogió a Clyde. Y en esto de atracar bancos uno no puede competir con él. Maldito Clyde, ¿Cómo no iba Bonnie a enamorarse de ti? Uña y carne esquivando disparos, sin patria, ni refugio, Bonnie y Clyde, nómadas eternos, amándose en la cuerda floja, dependientes y solitarios, pura poesía salvaje, dinamitando a su paso caminos polvorientos, espejo de la sociedad a la que no pueden, no quieren, nunca jamás volver a pertenecer. 

Si todo funciona cuando sólo hay dos, no metas a un tercero. ¿Qué hacía un tercero en vuestro mundo? La simbiosis perfecta quebrada por un intruso. Entró despacio, inocente, y tú Clyde eras su modelo. Claro que a la par también estaba enamorado de ella. Demasiada confusión para que el trío saliera bien. Dudar sólo era el siguiente paso. Traicionar, la lógica posterior a la duda.

Seguramente sólo era cuestión de tiempo, no se puede escapar eternamente, llegaba la última curva, pero lejos de la rendición, en medio de aquella definitiva lluvia de balas, sé que lo único que oíste Bonnie fue el latido Clyde, así como él escucho el tuyo. Y no había nada más, solo amor ensangrentado empapado por la soledad de las pistolas.

(Del Libro "EL CINE QUE RESPIRA", Oviedo 2014)

Crítica Cinematográfica a Perdidos ( Lost, Serie de TV, 2004)

Valoración 3/10

El timo de la estampita.

Perdidos: Temporada 17563. Capítulo 1.

 

Un tren con trayecto Oviedo-Albacete descarrila a la altura de Valencia de Don Juan y aparece en la isla volcado a 42 metros de la Estación Cisne.

 

Maruja Vázquez, pasajera del vagón 23, sale por una ventana mientras observa impasible como un águila real intenta hincar el pico en su bolsa, cargada de botillo del Bierzo.

 

Flashback 1: Vemos la apasionante vida de Maruja Vázquez en un pueblo extremeño. Presume de soltería pero en realidad está enamorada del sacerdote del lugar. Maruja Vázquez sufre además de cáncer de pulmón, estrabismo y diarrea crónica. Su médico le concede dos semanas de vida. 

De vuelta a la isla Maruja Vázquez se siente mejor que nunca a pesar del accidente. No ha manchado su ropa interior, ha conseguido mirar de frente al águila real y los síntomas del cáncer han desaparecido por lo que se enciende un Ducados que le ha robado al pasajero de al lado.

 

Observamos a los otros pasajeros en las cercanías del tren. Dos de ellos, hermanos, que iban sentados en el vagón 15, inician una exploración del terreno. Tras caminar durante unos minutos se encuentran con una especie de bunker. Descienden al mismo y allí encuentran a un tipo que les mira diciendo: ¿Qué le dice un loro inglés a un loro panameño?

Flashback 2: Apasionantes momentos de la vida del tipo que está en el bunker. Se llama Peter Osaka. De padre japonés y madre americana regentaba un hotel en Harlem. Después de haber ahorrado durante 20 años puede permitirse hacer un crucero. Pero tras una tormenta cae al mar. Reaparece ya en la isla a donde lo ha traído un tipo con barba que remaba en un cayuco.

 

De vuelta a la isla vemos a Jack recogiendo cocos y papayas. Se fija en una columna de humo. Se dirige hacia allí y descubre el tren. Durante el trayecto salen a su paso una ballena, un mamut, un Tiranosaurius-Rex, tres gallinas persiguiendo a un gallo y un caniche.

 

Jack se reúne con los pasajeros del tren y los lleva hacia la playa donde conocerán a los demás perdidos. Cabe resaltar que como este año el peinado de moda en Los Ángeles son los flecos de colores Sawyer lleva exactamente dicho peinado.

 

Locke se plantea la duda de si habrá alguien de Los OOOOtros entre toda aquella gente. Está será la gran pregunta que todos se harán durante la presente temporada.

 

El capítulo termina cuando Jack al utilizar unos prismáticos que encontró en el vagón número 8 descubre en una colina una estatua con la forma de Mickey Mouse.

 

ZZZZZZZZZ......ZZZZZZZZZZZZZZZ..........ZZZZZZZZZZZZZZZZZZZZ 

Del Libro "EL CINE QUE RESPIRA", Oviedo 2014

Crítica Cinematográfica a El Asesinato de John Lennon (Chapter 27) (J.P. Schafer 2007)

Valoración 7/10

Holden Caulfield tenía una misión.

Es difícil determinar con precisión hasta que punto Mark Chapman estaba fusionado con el protagonista de El Guardián Entre el Centeno. Y más difícil aún enlazar dicha patología con el desencadenante a posteriori del asesinato de John Lennon a las puertas del  Edificio Dakota. Es la conexión entre ambas cosas lo que no termina de encajar y hace entrever que Chapman era un psicópata complejo, de vertiente múltiple e imprevisible. Y esa es la principal laguna de la película. Se intenta estudiar a Chapman a través de una radiografía de su peregrinación a New York intentando casar y comprender el rompecabezas de su cerebro y se consigue parcialmente bien cuando se le analiza desde la perspectiva de su analogía con Holden Caulfield, pero falla cuando la misma se conecta de manera un tanto arbitraria con la figura de John Lennon del que nunca sabemos con claridad por que es el objetivo último de Chapman, su verdadera fin, el por que de su devenir en el mundo.

Es curioso como Chapman se comporta en todo momento como Caulfield, recitando sus frases, realizando sus actos, ensalzando al personaje como el todo filosófico y vital que dirige su mente y sin embargo, tiene un desconocimiento bastante remarcable de los avatares vitales de su otro pilar existencial. No es un fan al uso de los Beatles, ni tampoco de John, se siente amante de su música pero ni se encuentra al día ni recuerda cosas que serían fundamentales para cualquier seguidor medio. Hay un punto intermedio que no se muestra, la conexión entre el ser (Caulfield) y su realización última (asesinar a John Lennon).

Cinematográficamente Chapter 27 funciona apoyado fundamentalmente por una dirección sobria, elegante y comedida y sobre todo por la excelente interpretación de Jared Leto, presente en todas las escenas del film. Las partes más relajadas, aquellas en las que Lindsay Lohan comparte pantalla con Leto, se agradecen por ser un contrapunto al infierno continuo que Chapman tiene en su cabeza. Lohan se maneja bien en su papel de fan de los Beatles y especialmente de John aunque también deja entrever detalles de un amor excesivo hacia la figura del músico que podrían estar también cercanos a la obsesión y a la enfermedad aunque sea desde la perspectiva de la admiración y el platonismo.

A diferencia, por lo que parece, de un sector de fans de John Lennon a mi sí me ha gustado la película, siempre me ha interesado la figura de Chapman, precisamente porque Los Beatles son mi grupo favorito y porque John Lennon es una figura fundamental en la historia del Siglo XX. No me incomoda conocer más profundamente detalles de su asesino y este film me ha aportado cosas y me ha resultado bastante interesante. Indispensable, eso sí, para entender el periplo de Chapman resulta haberse acercado primero a la polémica obra de Salinger.

(Del Libro "EL CINE QUE RESPIRA", Oviedo 2014)